Marillion revisitado - Parte 2

 

Esta parte do especial Marillion cobre a primeira parte da fase Steve Hogarth, que se tornou muito maior e duradoura do que a fase Fish. Passaremos pelos últimos discos com a EMI e pelos três discos do contrato com a Castle, pela guinada pop, pela volta ao progressivo e por uma tentativa de balancear melhor as duas tendências introduzindo, aos poucos, outros estilos.

Seasons End (1989) * * *1/2

Com a saída de Fish e a entrada de Steve Hogarth, o Marillion deu um passo largo na direção do comum. A estranheza de Fish, mesmo que fosse parecida com a de Peter Gabriel, era um ingrediente importante para a banda. Natural então que o fã se decepcionasse um pouco com este novo disco e um vocal mais dentro dos conformes do neoprog. Essa nova formação só encontraria sua melhor face no terceiro disco, Brave, de 1994. Mas é inegável que o instrumental e a produção aqui encontram um nível jamais alcançado anteriormente. E Hogarth é menos estrela, o que faz a banda ficar mais coesa, com os músicos todos um pouco mais em igualdade perante os fãs. A levemente pop "The Uninvited Guest" e a esplendorosa "The Space" são os maiores destaques, mas "Easter" e "Berlin" são belos achados de arranjo e melodia. Em compensação, penso que nunca foram tão longe no pop como em "Hooks in You". Pena que não deu muito certo.

Holidays in Eden (1991) * * 1/2

O disco mais comercial do Marillion até então quase representou a falência artística da banda. Era para isso que Hogarth entrou? Cada faixa mais desafiadora - "Spiltering Heart", "The Party" - é contraposta por uma constrangedora, para uma banda que ainda estava associada ao progressivo - "Cover My Eyes", "No One Can". Este é o lado A. O lado B é melhor, mas não redime a porção exageradamente pop do disco. Até tem umas comerciais de bela melodia, como "Dry Land" ou "This Town", mas no geral é um passo em falso, não por ser pop, mas por ser pop pouco inspirado. Se era para tentar tocar mais no rádio, que caprichassem nas composições. Ouça marillion.com, de 1999, para comparar.

Brave (1994) * * * *

Disse Hogarth que perceberam o erro no disco anterior e deram uma guinada de 360 graus. Apesar desse sentimento do músico, Brave não é o disco mais arriscado que gravaram. Ao contrário, parece retomar o caminho iniciado com Seasons End, atenuando a faceta pop que Holidays in Eden exacerbava. As músicas voltaram a ser, em alguns casos, suítes, como em Misplaced Childhood. A maior delas, "Goodbye to All That", também a melhor faixa do disco, dura mais de 12 minutos e tem cinco partes. Talvez a banda tenha percebido o sucesso do prog-metal d Queenryche em Empire e decidido que poderia fazer um disco mais robusto, não bem prog-metal, mas certamente um prog mais estrondoso. Fizeram com isso um belo disco.

Afraid of Sunlight (1995) * * * *

Os três anos que separam Brave de seu antecessor dizem muitas coisas, mas não tanto quando o curto espaço de tempo entre Brave e Afraid of Sunlight. Este último flagra a banda ousando mais ainda, buscando novas sonoridades além de seu prog baladeiro, mas sem sair da trilha aberta com o disco anterior. Um crítico da Q definiu assim a mistura: toques do legado de Brian Wilson, Todd Rundgren e Beatles, com notas das trivialidades experimentais de Jellyfish e Split Enz. Pior é que faz sentido, mas em poucas faixas. Como "Cannibal Surf Babe", cruzamento inusitado entre Beach Boys, Split Enz e Can, uma das composições mais ousadas da banda, no sentido de desafio aos fãs, e também a melhor do disco. "Beautiful" é um dos maiores sucessos da banda, o tipo de balada melosa que eles tentam fazer desde Clutching at Straws. Desta vez acertaram em cheio. Entre as demais, a mais bela me parece ser a faixa-título, melodia bem marilliana, balada prog de respeito. As duas faixas acrescentadas no relançamento de 1999, "Icon" e "Live Forever" são estupendas, belos exemplos de experimentação que engrandecem o disco original.

This Strange Engine (1997) * *

"Man of a Thousand Faces" é a pior faixa de abertura de qualquer disco do Marillion até então. Menos por ser uma balada comercial levada por violões e teclado, mas pela melodia um tanto óbvia e genérica. A segunda, "One Fine Day" segue o mesmo padrão, sendo só um pouco melhor. Na terceira, "80 Days", o nível volta a cair. A esta altura, precisaria melhorar muito nas cinco faixas restantes para que o disco fosse meramente satisfatório. A quebra com a EMI e um novo contrato para três LPs com a Castle deve ter mexido inicialmente com a inspiração da banda, que aqui soa como um daqueles pops genéricos dos anos 1990. Uma banda irreconhecível na maior parte do disco. Salvam-se, ainda que em degraus abaixo dos destaques de discos passados, "Estonia" e a faixa-título, único prog do disco, com 15 minutos e um arranjo que inclui solo de saxofone. Belo encerramento para disco que abriu mal e assim continuou por boa parte de sua duração. Felizmente, eles voltariam a fazer belos discos logo em seguida.

Radiation (1998) * * * 1/2

Bem mais desafiador que o disco anterior. Radiation flagra uma banda de espírito renovado, com desejo de seguir sempre em frente, sem se acomodar. "The Answering Machine" é uma das melhores composições da fase Hogarth. "Three Minute Boy" é uma das mais belas. "A Few Words for the Dead" é a prog gigante (mais de 10 minutos) que eles sempre fizeram muito bem. Por mais que o disco caia exageradamente nas baladas a partir da quarta canção, as melodias continuam inspiradas como nas três primeiras, o que faz a diferença.

marillion.com (1999) * * * *

Terceiro e último disco do contrato com a Castle que se seguiu à saída da EMI, este belo trabalho de nome contemporâneo contempla uma banda que já se tornou rainha na confecção de um pop radiofônico e moderno, ajudados pela tendência dos anos 1990 de um pop mais pesado, próximo do metal. Com outro belo álbum em sequência, e este me pareceu ainda melhor que Radiation, eles praticamente se redimem do fiasco de This Strange Engine. A primeira música, "A Legacy", é uma boa amostra disso, e é das melhores do disco - embora seja das menos ouvidas, segundo as estatísticas do YT music. "Deserve" segue a mesma tendência, com uma levada bem moderna e agradável. É outra das melhores. "Rich" é outra das menos tocadas no YT e é bem pop FM, para ver como o Marillion não se dá bem com essas relações óbvias. "Tumble Down the Years" é pop perfeito, uma bela melodia. Aprenderam essa arte muito bem. O disco se encerra com duas faixas enormes. "Interior Lulu", cheia de variações, é melhor, mas "House", que parece saída de algum disco solo do Sting, também é notável.

Marillion revisitado - Parte 1

Gostava muito de Marillion entre 1987 e 1988, o suficiente para lamentar a saída de Fish. Com a entrada na faculdade, na segunda metade de 1989, passei a ouvir outras coisas (sem abandonar o progressivo, mas abandonando um pouco o Marillion). Eventualmente ouvia uma música ou outra com carinho, mas a paixão não existia mais. Até este ano, quando resolvi seguir a sugestão do algoritmo do You Tube e ouvir o primeiro disco deles. Boom, o disco bateu em mim de uma forma que nunca havia batido. Nem mesmo em 1987, quando o ouvi pela primeira vez. Resolvi fazer uma retrospectiva cronológica, inicialmente pulando os discos ao vivo (talvez eu retorne a eles no final). Esta é a primeira parte do ciclo de reaudições, com a fase Fish. Aproveito para ressuscitar o Melomania.

 Script for a Jester's Tear (1983) * * * *

Belíssimo disco de estreia calcado em algum virtuosismo prog com lindas melodias. Lembro que meu disco vinha com o selo de aprovação da FM Fluminense. Os destaques vão para a faixa-título e para a estupenda "Chelsea Monday".

Fugazi (1984) * * * 1/2

Um som de lata atrapalha um pouco a beleza do disco, que continua na pegada de Script for a Jester's Tear, abrindo-se um pouco mais ao pop. O lado B é superior em tudo, principalmente por causa de "Incubus". Mas "Punch and Judy", a segunda do lado A, é irresistível e entrega um pouco das raízes punks da banda.

Misplaced Childhood (1985) * * * * 1/2

O maior sucesso da banda, com o hit arrasa-quarteirão "Kayleigh". O melhor momento é o clímax com a "Bitter Suite", quando as ambições progressivas da banda se manifestam em melhor forma. E ainda tem a fenomenal "Childhood's End?", uma das melhores composições da banda. Por ter menor duração que os discos anteriores, a impressão de que passa rápido demais é ainda maior.

Clutching at Straws (1987) * * * * 1/2

Sendo bem coerente com sua condição de continuadores do Genesis, Fish, o cantor, sai da banda após aquele que poderia ser comparado ao The Lamb Lies Down on Broadway do Marillion. A banda conseguiria grandes trunfos com Steve Hogarth, mas algo mágico se perdeu quando os falsetes de Fish pararam de encontrar a guitarra melódica de Steve Rothery e o teclado à Tony Banks de Mark Kelly. Sorte que ainda lançaram este disco magnífico para celebrar essa incrível reunião de músicos na contramão do som que reinava em sua época. Destaques para "That Time of the Night", "Torch Song" e "Slàinte Mhath". Mas na verdade o disco só tem duas músicas que não são estupendas, justamente as que impedem as cinco estrelas: "Incommunicado" e "Sugar Mice", ambas "só" boas.

B Sides Themselves (1988) * * * *

Coletânea de sobras que tem classe e qualidade para ninguém botar defeito. "Lady Nina" é um assombro de melodia e conceito. Na última audição, me reconciliei com "Grendel", essa cópia de "Supper's Ready" que consegue emocionar mesmo sendo derivativa, pela qualidade da melodia (ouçam o solo de "Alexander The Great", do Iron Maiden, para uma relação curiosa). Bandas cujas sobras são boas assim não se encontram facilmente.

Porcupine Tree

 

Resolvi dar nova chance a essa banda inglesa liderada pelo multi-instrumentista Steven Wilson. Quando eu tinha loja, lembro de ter escutado Signify e Lightbulb Sun, e pelo menos o segundo me soou bem comum à época. Como não tinha visto nada demais, e como tinha lido de muita gente que Lightbulb Sun era o melhor disco deles, desisti de ouvir qualquer outra coisa (me esquecendo do ódio que críticos costumam ter com qualquer coisa que se aproxima de rock progressivo).

Ou seja, ouvindo na ordem cronológica, é possível perceber que até então Lightbulb Sun é o disco mais fraco deles, o único que cai após vários discos diferentes entre si, mas de equivalente valor musical, a meu ver. Porque ao tornar-se pop, enterrando quase totalmente o space rock e as viagens floydianas do passado, o Porcupine Tree tornou-se também uma banda comum, a despeito de uma ou outra boa (e até ótima) melodia, como "Where We Would Be" e de uma insinuante faixa como "Hatesong". O que, no balanço geral, constrói um bom disco, mas claramente inferior a todos que eles tinham feito antes.

Depois desse disco começa a chamada fase metal da banda, o que nada mais é, ao menos se considerarmos somente o disco seguinte, In Absentia, que o mesmo tipo de material mais pop de Lightbulb Sun com uma guitarra mais pesada de vez em quando. Em alguns momentos, nada que um OK Computer já não tivesse mostrado com melhor desenvoltura e composições mais fortes. Em outros, o passado de atmosferas espaciais mostra-se não totalmente enterrado e engrandece composições como "3" ou a prog-metálica "The Creator Has a Mastertape". Há, claro, outros ótimos momentos de prog metal, como na instrumental "Wedding Nails" e sua guitarra desafiadora. É a melhor faixa do disco. E é melhor que quase tudo feito pelo Dream Theater (banda que é sempre lembrada quando se fala de prog-metal).

Deadwing, o disco seguinte, confirma a adesão ao prog metal. É mais pesado que o anterior, refletindo a aproximação de Wilson com a banda Opeth e sua admiração pelos Nine Inch Nails. Fear of a Blank Planet, tido como um retorno à fase anterior, é novamente um prog metal de inspiração Queensrychiana (e nos piores momentos, Fateswarningiana), no qual se destaca a faixa de encerramento, "Sleep Together". No disco seguinte, The Incident, eles voltam a pensar em temais mais complexos, mudanças climáticas mais sensíveis, ainda que a orientação dos últimos discos não tenha sido completamente negada. De todo modo, este último LP, lançado pela banda no final da década passada, é o melhor que fizeram no século 21. E pelo menos uma música, "Time Files", com seus 11 minutos, rivaliza com as suites dos anos 90.

Nada tão desafiador, contudo, quanto o que eles produziram de On the Sunday of Life, o primeiro LP, quando Porcupine Tree era praticamente uma banda de apoio para as ideias visionárias de Steven Wilson, até Signify, o quarto LP que, reouvido agora, soa muito mais forte do que quando o conheci. Curiosamente, a melhor faixa de toda a carreira da banda talvez seja justamente uma dessas guinadas para um som mais palatável. Trata-se de "Stars Die", lançada como single na Inglaterra e presente em LP apenas na versão americana de The Sky Moves Sideways, o ótimo terceiro disco da banda. Wilson, ao menos no Porcupine Tree (sua carreira solo ainda precisa ser ouvida), parece melhor quando se abre esporadicamente ao pop do que quando o abraça mais plenamente.

On the Sunday of Life (1992) * * * *

Up the Downstair (1993) * * * *

The Sky Moves Sideways (1995) * * * *

Signify (1996) * * * *

Stupid Dream (1999) * * * 1/2

Lightbulb Sun (2000) * * *

In Absentia (2002) * * *

Deadwing (2005) * * *

Fear of a Blank Planet (2007) * * *

The Incident (2009) * * * 1/2

Patto

Com quatro discos lançados, a banda inglesa Patto, um dos patrimônios do selo Vertigo em sua fase mais prestigiada, a da espiral, moveu-se de um jazz-rock movido ao básico voz-baixo-guitarra-bateria, com eventuais incursões pelo vibraphone, visto no primeiro LP Patto (1970) para um rock suingado e funkeado que atinge sua formatação decisiva no terceiro disco, Roll'em, Smoke'em, Put Another Line Out (1972). São dois discos essenciais para quem gosta de rock com pitadas generosas de jazz, soul e blues.

Como sou fascinado por discos de transições, não tenho como considerar o segundo deles, Hold Your Fire (1971), outra coisa que não a obra-prima do grupo. Pensando bem, é fácil chegar a essa conclusão, visto que os outros discos têm uma irregularidade, pontas soltas e momentos desnecessários ou mesmo mais fracos, que Hold Your Fire não tem. Ouvindo esse disco comigo, nos anos 90, quando conhecemos a banda, meu irmão observou que Ollie Halsall toca guitarra como se fosse um saxofone, e é verdade. É em Hold Your Fire, mais ainda que no incrivelmente jazzístico primeiro disco, que a influência de Hot Rats (o LP do Zappa tido como inaugural do jazz rock junto com In a Silent Way, de Miles Davis e alguns outros discos menos famosos) parece mais evidente. Halsall deixa sua guitarra percorrer caminhos sinuosos com rapidez, puxando o restante da banda e mostrando um incrivel entrosamento entre ele e o vocalista Mike Patto. É desse disco a minha preferida da banda, e uma espécie de portfolio do que pode Halsall quando inspirado: "Give it All Away".

Em Roll'em, já pela gravadora Island, Halsall às vezes parece mais interessado no piano do que na guitarra, como podemos ver já na excelente faixa de abertura "Flat Footed Woman" ou na igualmente excelente "Turn Turtle", duas das melhores faixas do disco. "Loud Green Song", por sua vez, é um rockão sujo, com baixo jazzístico e guitarra aceleradíssima, como a de um Alvin Lee. É um disco bem solto, como o primeiro, ainda que isso provoque bobagens como 'Mummy" e "Cap'n P' and the Attos". É também mais sujo e mais para o blues e o soul do que para o jazz, se é que dá para separar assim facilmente as influências ouvidas. A melhor do disco é "Singing the Blues on Reds", que de certo modo explica melhor o que tentei dizer acima, ao mesmo tempo em que mostra que a banda estava indo por outros caminhos.

O que era para ser o quarto disco, Monkey's Bum, gravado em 1973, foi engavetado e só veio à luz em 2002 por cortesia da gravadora Akarma, com produção mais tosca que o usual porque a banda havia se desmanchado, deixando a Island com liberdade para então cancelar o lançamento. Não é um mau disco, mas carece mesmo de acabamento. Até para os padrões sujos do terceiro disco. Dá para ouvir a guitarra de Halsall a mil, como sempre, alguns instrumentos de sopro que ficaram sem crédito provavlemente por falta de pesquisa por parte da Akarma, e é possível perceber que a banda tentava voltar ao nível de excelência de Hold Your Fire. Pena que ficaram no meio do caminho.

Patto foi para o Spooky Tooth, banda que sempre considerei superestimada dentro desse contexto de rock obscuro setentista, e depois formou o Boxer, com um bom primeiro disco e outros dois discos mais modestos. Halsall tocou em alguns discos do genial Kevin Ayers, e pode ser visto num dueto sensacional com Andy Summers em um show do Kevin Ayers de 1983 (Halsall com um roupão rosa).

Patto (1970) * * * *

Hold Your Fire (1971) * * * * *

Roll'em, Smoke'em, Put Another Line Out (1972) * * * 1/2

Monkey's Bum (1973 – 2002) * * *

Todd Rundgren em 1975 e 1976

 

Foi um período difícil para Todd Rundgren o miolo dos anos 1970. Ele que já havia mostrado um talento quase inigualável como compositor desde os primeiros discos com o Nazz, e explodiu definitivamente com três discos impecáveis feitos em sequência – Something/Anything (1972), A Wizard: A True Star (1973) e Todd (1974) -, respectivamente o terceiro, quarto e quinto discos solos de sua carreira, parece ter entrado em parafuso após este último. Após a gradual complexificação de seu pop/rock orientado para canções, operação que confundiu os críticos que gostariam de mais Something/Anything. Para onde ir agora? – é o que devia se perguntar Todd à época da ressaca de Todd.

A resposta inicial foi montar uma nova banda, a exemplo do que fez Paul McCartney dois anos depois de sair dos Beatles. Utopia seria essa banda, e teria a proposta de responder ao som do momento de maneira criativa, ou seja, expandindo uma vertente específica daqueles tempos, no caso, o rock progressivo. Por mais que o primeiro disco desse projeto seja muito inferior ao trabalho solo de Rundgren até então, havia ali qualquer coisa do gênio a que estávamos acostumados.

Isto é algo praticamente ausente de Initiation (1975), com o qual deu prosseguimento à carreira solo. Meio prog, meio místico, meio disco, esse disco insólito tem mais de uma hora de duração, em um único disco de vinil (imagine a fragilidade da mídia física, com os sulcos todos esprimidos para que caibam todas as músicas), uma porção de boa música junto de algumas bobagens e nada, absolutamente nada que fizesse jus à grandeza desse músico.

Pior é o disco seguinte, Faithful, lançado após um disco ao vivo do Utopia, em 1976. Com o primeiro lado só de covers, Todd Rundgren desceu onde nunca havia descido em sua carreira. Primeiro pelas escolhas, óbvias. Depois pela falta de imaginação nas versões, que em nada acrescentavam às suas originais. O lado B, só de composições próprias, é bem melhor (embora longe da excelência do período 72-74), mas o estrago estava feito.

Sua carreira, felizmente, entraria nos trilhos em 1978, quando, após dois bons discos do Utopia – RA e Oops Wrong Planet, ambos de 1977 – ele lança mais um ótimo disco solo de pop-rock (quase tão bom quanto o mais aventuroso Todd). Hermit of Mink Hollow é o nome do disco, que contém faixas mais curtas e simples, e vem com o hit "Can We Still Be Friends".

 
P.S. Sempre esqueço de colocar The Ballad of Todd Rundgren (1971), seu segundo disco solo, no lugar que lhe é devido: o de obra-prima absoluta. Ou seja, são quatro discos impecáveis em sequência ali na primeira metade dos anos 70.

Cotações ELOY

 

Volta o blog, voltam também as cotações. Como não acrescentei no post anterior, e como resolvi reouvir a maior parte dos discos comentados, aqui vai uma série de cotações atualizadas para os álbuns da banda até 1984, com breves comentários. Boa viagem.

Eloy (1971) **

Hardão genérico que lembra milhares de discos da época.

Inside (1973) ****

Frank Bornemann resolve levar seus cúmplices ao espaço e isso faz muito bem à banda. As faixas continuam grandes, mas agora os arranjos fazem toda a diferença. Na linhagem kraut-rock espacial que Jane, Novalis e Holderlim iriam perseguir adiante.

Floating (1974) ****1/2

Um aprimoramento do progressivo pesado e espacial apresentado no disco anterior, e forte candidato a segundo melhor álbum da banda. Peso, viagem, melodia, tudo em ótimas camadas sonoras.

The Power and the Passion (1975) ****

Talvez seja o primeiro disco com a sonoridade típica do Eloy mais conhecido, e também o primeiro com o conhecido logo e o mesmo padrão de capa com paisagem que será repetido em Dawn.

Dawn (1976) *****

É de fato a obra-prima da banda. Um dos discos mais variados de sua fase progressiva, com vozes estranhas invadindo o som espacial e melodias verdadeiramente pacificadoras.

Ocean (1977) ***1/2

Lado A magnífico, lado B genérico em tudo. Estava na hora de uma nova reformulação da sonoridade, sob o risco de se repetir. O que eles fizeram em seguida, após o burocrático ao vivo, foi um meio termo cômodo, mas que deu certo.

Live (1978) ***

Burocrático mesmo. E duplo ainda por cima. Claro, as músicas são boas, então o disco sobrevive.

Silent Cries and Mighty Echoes (1979) ****1/2

Percebe-se aqui que o clima fica um pouco menos viajante e mais palatável para um público oitentista.  Como já havia dito, este disco antecipa em muito o neo-prog que seria assumido pelas bandas inglesas da década seguinte, ao menos a boa porção delas (Marillion, Pallas), infelizmente minoritária.

Colours (1980) ****

Entram de sola nos anos 80 completando a transição iniciada no disco anterior e preparando o terreno para a crescente modernidade eletrônica dos discos que viriam. É o British Steel do Eloy (em alusão à obra-prima do Judas Priest que forjou a identidade oitentista da maior banda da NWOBHM).

Planets (1981) ****

Outro belíssimo disco com sonoridade moderna e ainda mantendo os dois pés no progresssivo. A capa do lançamento britânico é muito mais bonita (pode ser vista aqui)

Time to Turn (1982) ***1/2

Cai um pouco, mas não o suficiente para desanimarmos, ainda mais porque a faixa de abertura, "Through a Somber Galaxy", é arrasadora, com o baixo de Klaus-Peter Matziol embalando a melodia. Em todo caso, o Eloy fez a transição para os anos 80 um pouco melhor que o Camel, que nesse mesmo ano lançava o mediano A Single Factor.

Performance (1983) ***1/2

Mais moderno ainda, de um modo perigoso, mas surpreendentemente forte em retrospecto. Acho que foi o terceiro álbum que ouvi da banda, logo após de conhecê-la com The Power and the Passion e Dawn. Envelheceu bem esse disco cuja existência parece possível unicamente nessa primeira metade dos anos 80.

Metromania (1984) ***

Ainda mais modernoso que Performance, a ponto de talvez ser um tanto forçado chamar de progressivo. New Wave espacial seria mais apropriado.

 

Eloy

Lá vou eu novamente ser do contra. Não por querer, mas por acontecer mesmo. É que nunca entendo essa quase unanimidade com relação ao Ocean (1977) ser o melhor disco do Eloy. Para mim, pelo menos três discos deles são melhores: Power and the Passion (1975), Silent Cries and Mighty Echoes (1979) e, acima de todos, o maravilhoso Dawn (1976), único postulante a obra-prima dos discos da banda.

Acho o lado 1 de Ocean extraordinário. O que quer dizer que de suas quatro músicas, as duas primeiras são muito boas. Já as duas últimas me parecem genéricas, algo criado por algum computador com informações genéticas do Eloy. Dawn, ao contrário, é inteiramente forte. Mais variado e nada monocórdico, cheio de melodias belas e empolgantes passagens instrumentais. É tão superior a Ocean, a meu ver, que desconfio que muitos elegem este último no piloto automático, sem ter se dado ao trabalho de ouvir as pérolas que compoem Dawn, das maravilhosas partes "Appearance of the Voice/Return of the Voice" à primeira "Lost", passando por "The Sun Song", "The Midnight Fight/The Victory of Mental Force" e Gliding Into Light and Knowledge", são mesmo muitas peças inspiradas de prog-rock, com uma força que eles nunca mais repetiriam.

A trinca Colours (1980), Planets (1981) e Time to Turn (1982), embora não tenha a qualidade de Silent Cries and Mighty Echoes, o álbum que fecha os anos 70 e já aponta para o neo-prog que iria despontar nos 80 (ouça "Master of Sensation" e entenda meu ponto), eu sempre achei interessante. Acho que a banda soube passar de suas influências floydianas para um som mais balançante, próximo do neo-prog, mas com maior inspiração. É em Performance (1983) que a coisa começa a ficar complicada. É um disco que tem seus momentos. A música que a Globo usou em seus documentários ("Shadow and Light") tem força. Mas já desperta um certo cansaço, ao contrário dos anteriores, que rolam bem do começo ao fim. Metromania (1984) é um pouco melhor. Nunca escutei o que veio depois, com a exceção do Ocean 2 (1998), que na época me pareceu bem fraco.

P.S. Reouço Performance e me surpreendo. É mais um disco legal da banda, com sete boas composições. E menos pop modernoso do que eu lembrava, talvez porque agora gosto de muitas coisas que são pop modernoso, então não me incomoda mais essa mistura de progressivo com a sonoridade eletrônica-cafona da época. Para melhorar, a capa faz alusão a um jogo de sinuca.

Som Imaginário

Entendo todo aqueles que, do alto de sua superioridade numérica, para não falar em quase unanimidade, proclamam Matança do Porco (1973), o terceiro LP, como a obra-prima do Som Imaginário. Talvez seja mesmo o disco mais acabado da banda, aquele em que há uma ideia clara que perpassa todo álbum. Meu coração, contudo, fica com o primeiro LP deles, intitulado simplesmente Som Imaginário e lançado em 1970.

É uma explosão de genialidade que tenta dar conta de personalidades tão distintas quanto as de Zé Rodrix, Frederiko, Tavito e Wagner Tiso em um único disco. Se Matança do Porco é o disco progressivo da banda, seria prematuro descartar este como não-progressivo, ou mesmo ignorar o que ele tem de progressivo, num sentido mais amplo, menos sinfônico e purista do termo.

O primeiro, o terceiro e o quarto compõem, juntos, a faixa de abertura, "Morse", uma espécie de jam-session em estúdio, jazzística e latina, cheia de percussão e órgão envenenado. Na segunda, meio infantil, mas genial em seu arranjo instrumental e no vocal psicodélico, é toda composta por Zé Rodrix, a personalidade mais forte do disco. Chama-se "Super-Goo" e tende a conquistar de vez o ouvinte de coração aberto. Na terceira já estamos dominados, prontos para viajar com a voz de Milton Nascimento em sua "Tema dos Deuses", uma canção cheia de climas, em que a guitarra de Frederiko se impõe, como sempre, mesmo que discreta. Isso nos lembra que o Som Imaginário nessa época acompanhava Milton em discos e shows, assim como acompanhava outros músicos, notadamente Gal Costa.

Rodrix volta em "Make Believe Waltz", que compôs com Mike Renzi. Rodrix grita, em inglês, sem disfarçar sua voz feia, de taquara rachada, mas que por algum motivo me encanta. Talvez seja a vontade, o descaramento de cantar assim, como um Bob Dylan em rádio AM com pilhas fracas. Talvez seja uma bela voz, afinal, e eu sei pouco das coisas.

As três faixas seguintes mostram uma dominação do guitarrista Frederiko. Ele que seria mais dominador com a saída de Rodrix, no segundo álbum, antes da dominação de Tiso no terceiro, brilha aqui em três temas mais diretos, mais sintonizados com o que se estava fazendo no rock da época. O primeiro deles é "Pantera", em cima de uma letra de Fernando Brant. Trata-se de um mantra bluesístico que abre espaço também para o sotaque carioca de Zé Rodrix, alternando com a voz mais certinha de Frederiko. Voz que brilha no segundo de seus temas, "Sábado", uma das faixas de beleza mais secreta do álbum. É gosto adquirido. Depois de algumas audições, essa bela e poética canção não sai mais de sua cabeça (ao menos o "sábado eu vou" entoado no refrão não sairá, garanto). "Nepal", a terceira canção seguida comporta por Frederiko, está mais para uma brincadeira, um mantra psicodélico que vira canção infantil na segunda parte: "no Nepal tudo é mais barato, no Nepal tudo é muito barato"...

O grande hit do disco chega em seguida. Uma canção composta por três gênios da música mineira: Lô Borges, Beto Guedes e Fernando Brant. Sim, "Feira Moderna", em uma de suas várias versões, quase todas ótimas (é difícil estragar uma música dessas). Um convite sensual. É engraçado como Rodrix canta essa música (algo que fica mais claro ao vivo, como no ensaio da TV Cultura que tem no YouTube). Ele canta como se tivesse um baita vozeirão, como se fosse um Orlando Silva e não o Lou Reed raquítico que amamos. Talvez possamos creditar isso à sua vontade e à sua musicalidade explêndida, que faz com que tudo que ele tocasse, ao menos na primeira metade dos anos 70 (Som Imginário, Sá, Rodrix e Guarabyra, carreira solo) virasse ouro.

"Hey Man", composta por Tavito e Zé Rodrix, é inclassificável. Pop, progressiva, jazzy, psidodélica, com uma melodia celestial em sua terceira parte e uma estrutura em que a primeira parte fica só lá, no começo, como um prelúdio ameaçador, com percussão e a voz doida de Rodrix nos preparando para as duas partes seguintes, que se repetem como um resumo do que se fez de melhor na música brasileira dos anos 60 e 70. Uma levada dançante do baixo e da bateria na segunda parte e um mellotron tornando a terceira parte algo realmente inesquecível. Esse clima seria repetido no maravilhoso primeiro disco solo de Tavito, de 1979 (o que tem "Rua Ramalhete" e "Naquele Tempo"), mas infelizmente ele não regravou essa música soberba.

O disco se encerra com "Poison", excelente composição de Rodrix (com Marco Antonio), discreta o suficiente para nos permitir a recuperação após duas faixas estrondosas como "Feira Moderna" e "Hey Man". E sendo uma canção de ninar em rock progressivo, é também uma das faixas que permitem que consideremos este disco como um dos melhores registros de rock progressivo que já se fez no Brasil. Bah, raios, é de fato um dos melhores discos já feitos no Brasil.